Религиозная живопись как разговаривает икона

Иконографический канон: язык условностей, понятный всем

религиозная живопись как разговаривает икона

Иногда изображения святых на древнерусских фресках или мозаиках называют иконами. Это, конечно, неправильно. Но фигуры на фресках и иконах в самом деле похожи. Это потому, что в древнерусской живописи существовали строгие правила, или каноны, как изображать святых и библейские сюжеты, одинаковые для икон, фресок и мозаик.

 Основой для возникновения русской живописи послужили образцы византийского искусства. Именно оттуда пришли на Русь и каноны.

Царь Авгарь получает от апостола Фаддея Нерукотворный образ Христа.

Створка складня (X век).

Для восприятия иконописи современным зрителем важно помнить, что икона – очень сложное произведение по своей внутренней организации, художественному языку, не менее сложная, чем, например, картина эпохи Возрождения. Однако иконописец мыслил совершенно иными категориями, следовал иной эстетике.

Что такое иконописный канон?

После трудного периода иконоборчества росписи церквей в Византии были приведены в единую, упорядоченную систему. Все догматы и обряды Греко-Восточной Церкви полностью сформировались и были признаны боговдохновенными и неизменяемыми. Церковное искусство должно было придерживаться определенных схем основных композиций, совокупность которых принято называть «иконографическим каноном».

Канон — совокупность строго установленных правил и приемов для произведений искусства данного вида.

Целью византийского искусства было не изображение окружающего мира, а отображение художественными средствами сверхъестественного мира, существование которого утверждало христианство. Отсюда — главные канонические требования к иконографии:

  • образы на иконах должны подчеркивать их духовный, неземной, сверхъестественный характер, что достигалось своеобразной трактовкой головы и лица фигуры. В изображении на первый план выдвигались одухотворенность, спокойная созерцательность и внутреннее величие;
  • поскольку сверхъестественный мир — это мир вечный, неизменяемый, фигуры библейских персонажей и святых на иконе должны изображаться неподвижными, статичными;
  • икона предъявляла специфические требования к отображению пространства и времени.

Византийский иконографический канон регламентировал круг композиций и сюжетов священного писания, изображение пропорций фигур, общий тип и общее выражение лица святых, тип внешности отдельных святых и их позы, палитру цветов и технику живописи.

Откуда брались образцы, которым иконописец обязан был подражать? Первоисточники были, такие иконы называют «первоявленными». Каждая «первоявленная» икона — результат религиозного озарения, видений. Икона «Христос-Пантократор» из монастыря Святой Екатерины на Афоне выполнена в технике энкаустики. Она создана в VI веке — задолго до оформления канона. Но вот уже 14 столетий Христа-Пантократора

в основном пишут именно так.

Как изображались святые на иконах

Благодаря трудам Иоанна Дамаскина стало ясно, что можно изображать на иконе, и что нельзя. Осталось выяснить и регламентировать то, как следует изображать внешность святых и божественные сюжеты.

В основе иконографического канона лежало представление об истинности изображаемого. Если евангельские события были в действительности, их следовало изображать так, как они и происходили.

Но книги Нового Завета крайне скупы на описания обстановки тех или иных сцен, обычно евангелисты дают лишь перечень действий персонажей, опуская характеристики внешности, одежды, места действия и тому подобное.

Поэтому наряду с каноническими текстами образовались и канонические схемы изображения различных священных сюжетов, ставшие опорой для иконописца.

Например, святых, архангелов, Деву Марию и Христа следовало рисовать строго в фас или в три четверти, с широко раскрытыми глазами, устремленными на верующего.

Некоторые мастера для усиления эффекта писали глаза так, что они словно следили за человеком, с какой бы стороны он ни смотрел на икону.

Иконография предписывала, как передавать внешность различных святых. Например, святителя Иоанна Златоуста полагалось изображать русым и короткобородым, а святитель Василий Великий представал темноволосым мужем с длинной заостренной бородой. Благодаря этому фигуры святых были легко узнаваемы даже на большом расстоянии, когда не было видно сопровождающих надписей.

«Сергий и Вакх», VI век (Государственный музей западного и восточного искусства, Киев). На этой одной из ранних византийских икон запечатлены святые мученики, особенно почитавшиеся в Константинополе. Внимание зрителей непременно привлечет их пристальный взор, переданный с помощью неестественно крупных, широко раскрытых глаз.

В этих образах особенно подчеркиваются духовная сосредоточенность и отрешенность от внешнего мира.

Известные с античных времен пропорции человеческого тела сознательно нарушаются: фигуры устремляются вверх, становятся выше, тоньше, плечи сужаются, пальцы рук и ногти удлиняются. Все тело, кроме лица и рук, скрывается под складками одежды.

Овал лица удлиняется, лоб пишется высоким, нос и рот — мелкими, глаза — большими, миндалевидными. Взгляд — строгий и отрешенный, святые смотрят мимо зрителя или сквозь него.

Чтобы персонажи иконы выглядели бестелесными, подобными ангелам, византийские мастера делали их плоскими, практически сводили к простым силуэтам.

Цветовая палитра

Основные цвета имели символическое значение, изложенное в трактате VI века «О небесной иерархии».

Например, фон иконы (его еще называли «свет»), символизирующий ту или иную божественную сущность, мог быть золотым, то есть обозначал Божественный свет, белым — это чистота Христа и сияние его Божественной славы, зеленый фон символизировал юность и бодрость, красный — знак императорского сана, а также цвет багряницы, крови Христа и мучеников. Пустое пространство фона заполняется надписями — именем святого, словами божественного писания.

Произошел отказ от многопланового пейзажного или архитектурного фона, который постепенно превращался в своеобразные знаки архитектурного ландшафта или пейзажа, а зачастую и вовсе уступал место чистой однотонной плоскости.

Иконописцы также отказались от полутонов, цветовых переходов, отражений одного цвета в другом. Плоскости закрашивались локально: красный плащ писался исключительно киноварью (так называлась краска, содержавшая все оттенки красного цвета), желтая горка — желтой охрой.

Григорий Чудотворец, вторая половина XII века. Блестящий образец византийской иконы того периода

(Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Так как фон иконы писался одной интенсивности, то даже та минимальная объемность фигур, которую допускала новая живопись, не могла выявить светотень.

Поэтому, чтобы показать наиболее выпуклую точку изображения, ее высветляли: например, в лице самыми светлыми красками писали кончик носа, скулы, надбровные дуги.

Возникла особая техника последовательного наложения друг на друга высветляющихся слоев краски, при этом самой светлой оказывалась как раз та самая выпуклая точка поверхности, независимо от ее расположения.

Сами краски тоже стали другими: на смену энкаустике (в этой технике живописи связующим веществом красок является воск) пришла темпера (водоразбавляемые краски, приготовляемые на основе сухих порошковых пигментов).

«Обратная» перспектива

Также произошли изменения и в отношениях изображенных на иконе персонажей друг с другом и со зрителем. Зрителя сменил молящийся, который не созерцал произведение живописи, а предстоял перед своим Небесным Заступником. Изображение было направлено на человека, стоящего перед иконой, что повлияло на смену перспективных систем.

Благовещение (конец XII века, Синай). Золотой фон в христианской символике означал Божественный свет. Мерцающая позолота создавала впечатление нематериальности, погруженности фигур в некое мистическое пространство, напоминавшее о сиянии небес горнего мира. Причем это золотое сияние исключало какой-либо иной источник света. А если на иконе и были изображены  солнце или свеча, они не влияли на освещение других предметов,

поэтому византийские живописцы не использовали светотень.

Линейная перспектива античности («прямая» перспектива), которая создавала иллюзию «глубины» изображенного пространства, была утрачена. Ее место заняла так называемая «обратная» перспектива: линии сходились не за плоскостью иконы, а перед ней — как бы в глазах у зрителя, в его реальном мире.

Изображение представлялось как будто бы опрокинутым, нацеленным на смотрящего, зритель включался в систему живописного произведения, а не заглядывал в него, как случайный прохожий в чужое окно.

Помимо «эффекта включения» обратная перспектива способствовала также уплощению трехмерных объектов — они словно распластывались по поверхности расписанной стены или же доски. Формы становились стилизованными, освобождались от «ненужных» деталей. Теперь художник писал не сам предмет, а как бы идею предмета.

У пятиглавого храма, например, все пять куполов выстраивались в прямую линию, без учета того факта, что в реальности две главы были бы заслонены. У стола должно быть изображено четыре ножки, несмотря на то, что задние ножки не видны.

Предмет на иконе должен открываться человеку во всей полноте, таким, каким он доступен Божественному Оку.

Особенности отображения времени

Передача времени в пространстве иконы также имеет свои особенности. Святой, на которого смотрит молящийся, вообще находится вне времени, ведь он обитает в ином мире.

Но сюжеты его земной жизни разворачиваются и во времени, и в пространстве: в житийных иконах показано рождение будущего святого, его крещение, обучение, иногда путешествия, иногда страдания, чудеса, погребение и перенесение мощей.

Формой объединения временного и вечного стала житийная икона с клеймами — небольшими картинками, образующими раму вокруг крупной фигуры святого.

Святой Пантелеимон в житии. (XIII век, монастырь святой Екатерины на Синае).

И все же пространство и время на византийской иконе достаточно условны. Например, в сцене казни может быть изображен палач, который занес меч над склонившим голову мучеником, и тут же, рядом — отрубленная голова, лежащая на земле. Часто более важные персонажи оказываются крупнее остальных или повторяются несколько раз на одном изображении.

Жесткие рамки или свобода творчества?

С одной стороны, иконографический канон ограничивал свободу художника: он не мог свободно построить композицию и даже выбрать краски по своему усмотрению. С другой стороны, канон дисциплинировал живописца, заставлял тщательное внимание уделять деталям. Жесткие рамки, в которые были поставлены византийские иконописцы, заставляли мастеров совершенствоваться внутри этих границ — изменять оттенки цвета, детали композиций, ритмическое решение сцен.

Благодаря этой системе условностей возник язык византийской живописи, хорошо понятный всем верующим. Тогда многие не умели читать, но язык символов прививался любому верующему с детства. А символика цвета, жестов, изображаемых предметов – это и есть язык иконы.

Владимирская Богоматерь (начало XII века, Государственная Третьяковская галерея), привезенная на Русь из Константинополя в 1155 году, по праву считается шедевром византийской иконописи. Иконы этого типа получили на Руси наименование «Умиление» (по-гречески Елеуса). Отличительная особенность данного образа — левая ножка Младенца Иисуса согнута таким образом,
что видна подошва ступни.

Канонические требования вошли в систему художественных средств византийского искусства, благодаря которым оно достигло такой отточенности и совершенства. Эти иконы уже не вызывали упреков в язычестве и идолопоклонстве. Получается, что годы иконоборчества не прошли даром — они способствовали напряженным размышлениям о сути священного образа и формах церковной живописи, а в конечном итоге — о создании искусства нового типа. 

Источник: https://xn--n1abh7c.xn--p1ai/blogs/o-pravoslavii-i-krasote/ikonograficheskiy_kanon_yazyk_uslovnostey_ponyatnyy_vsem/

Как читать пейзаж в иконе и в живописи

религиозная живопись как разговаривает икона

Весной, когда поют птицы и расцветают первые цветы, каждый становится немножко художником. Искусство помогает нам осмыслить окружающую красоту. Но почему художники так по-разному показывают одно и то же? Каким правилам строго следуют представители одной школы, а какие легко нарушают, когда хотят сказать что-то особенное?

Обо этом книга Лилии Ратнер «Искусство: язык Бога. От античности до авангарда». И сейчас, в пору цветения деревьев, предлагаем вашему вниманию отрывок из главы, посвященной пейзажу.

Сад Эдемский и сад Гефсиманский

Человек всегда напряженно всматривался в лицо Земли, и не только потому, что ее красота и разнообразие волновали его.

Природа в одни времена была для него матерью, вскармливающей, дающей кров, в другие он чувствовал к ней враждебность и страх, иногда он читал ее как книгу, а порой боготворил.

Для наших современников природа становится зеркалом, отражающим наши чувства, она с нами скорбит и с нами радуется. Умирая и возрождаясь неизменно каждые сутки и каждый год, она дает нам надежду на бессмертие.

Когда после долгой зимы мы оказываемся за городом и смотрим на почки, на зеленый туман, который вдруг начинает окутывать деревья, нас охватывает какое-то необъяснимое ликование, какое-то чувство счастья.

Мы еще даже не осознали, что наступает весна, еще пасмурно и холодно, низкое темное небо над головой, — но природа обновляется, а вместе с ней обновляемся, возрождаемся и мы.

Казалось бы, и что в этом такого? Это же естественный процесс — на то и природа? Но в этом ее воскрешении заложен глубокий смысл, который мы способны понять, потому что идея воскресения у нас в крови.

Ведь изначально мы сотворены для жизни в прекраснейшем из садов — в Эдеме. Воспоминание о нем живет в каждом человеке, даже если он этого не осознает. И есть другой сад, который тоже запечатлен в наших генах, — Гефсиманский, скорбный и трагический. 

Пейзаж в иконе: вертикальный разрез мироздания

Пейзаж в искусстве возник сначала как фон, несущий символическую и эмоциональную нагрузку, а потом и как самостоятельный жанр. Это произошло отнюдь не сразу, хотя природа присутствовала в самых ранних изображениях — в иконе, фреске, мозаике.

Что можно сказать о пейзаже в иконе? Пространство иконы двумерно, она не признает никакого третьего измерения, то есть пространственной глубины. Это как бы вертикальный разрез мироздания от небес до преисподней. Все земное пространство иконы развивается вверх, устремляясь к небу. Вместе с ним стремятся к небу фигуры людей, деревья, здания, причем на двухмерной плоскости их можно разместить сколько угодно, ведь все эти объекты не нуждаются в перспективном сокращении.

Человек Средневековья знал, что если иметь веру с горчичное зерно, то можно сдвигать горы (см. Мф. 17:20), и так называемые иконные горки легко сдвигались и раздвигались. Они словно реагируют на происходящее, взвиваясь и ликуя или, наоборот, застывая, скорбя вместе с человеком. Можно сказать, что в представлении средневекового человека земной мир пластичен и легко отвечает на знаки, подаваемые свыше. И человек вместе с природой тоже реагирует на эти Божественные сигналы, созерцая природу.

Если, например, на иконе «Рождество Христово» в пещере лежит спеленутый Младенец и рядом сидит Мария, то вместе с пастухами и волхвами приходят поклониться новорожденному Христу и горы — природа принимает участие в происходящем. Разверстая пещера дает Христу приют и одновременно напоминает склеп, куда Его отнесут ученики после распятия.


«Рождество Христово», XV век. Андрей Рублев.
Благовещенский собор Московского Кремля

А вот пейзаж на иконе «Преображение» из Переславля-Залесского, приписываемой кисти Феофана Грека. Этот пейзаж поистине фантастичен! Иконописец так написал горы и деревца, что они стали не просто фоном или антуражем. Природа — живой свидетель чудесного события, причем не пассивно созерцающий чудо, а реагирующий, участвующий в происходящем. Сквозь скалу пробиваются растения, деревья внезапно расцвели на этой каменистой поверхности, а пещерки нарисованы так, будто в них произошел взрыв.


«Преображение», около 1403 г.
Третьяковская галерея

В классический период Византии и Древней Руси природа в иконе всегда находится в движении. Потом эта динамика постепенно исчезает, живые горки превращаются в обычные скалы. Эти скалы занимают практически все пространство, а главные герои вынуждены ютиться на самом краю, у рамы. Таковы работы первых предренессансных художников, например Джотто. Впрочем, это уже не икона, а картина.

Возрождение: взгляд на мир сверху вниз

Художники Возрождения открыли для себя новый способ видения пейзажа — вид сверху. Этого не было раньше, когда картина представляла собой плоскость, на которой, как на сцене, происходило действие, демонстрируемое зрителю. При этом и художник, и зритель находились перед изображением в одинаковом положении — положении молящегося.

Вид с горы давал человеку Возрождения иллюзию, что он владеет пространством, что он, подобно Творцу, смотрит на мир сверху вниз. Все, что он видит внизу, кажется ему маленьким и неопасным.

Однако этот разрыв связей между человеком и природой переживается болезненно.

Вот некое пророчество Альберти, теоретика искусств эпохи Возрождения, о человеке, который поставил себя в центр мироздания: «Обуреваемый жаждой все новых открытий, человек опустошает сам себя.

Не удовлетворенный миром природы, который окружает его, он бороздит моря, стремясь дойти до края света; он опускается под воду и проникает вглубь земли; прокапывает горы и взбирается выше облаков Враг всему, что видит и чего не может видеть, он стремится подчинить себе все и все заставить служить себе Нет на свете живого существа, которое вызывало бы к себе такую же ненависть, какую вызвал человек».

Искусство свидетельствует о том, что человек отвергает сам себя: он жаждет величия, но все больше ощущает себя малым и ничтожным. Отторгнув природу, человек отторгается и ею.

«Она не нуждается в нашей помощи и равнодушна к нашим мольбам», — говорит Альберти. Человек чувствует себя одиноким, и это порождает в нем пессимизм, природа же отныне существует сама по себе, замкнутая в своем величии. Мы уже упоминали, что художники Высокого Ренессанса не любили дикую природу, побаивались, дистанцировались от нее. Однако успокоиться на этом человек не мог. Он жаждал преодолеть этот разрыв, покорить далекое пространство, приручить и подчинить себе природные стихии.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Икона нечаянная радость в чем помогает молитва

Вспомним нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего. Именно у него возникает пейзаж как самостоятельный жанр, а затем появляется пейзаж, который можно назвать философским. Цикл Брейгеля «Времена года» хорошо известен.

Можно сказать, что эти картины проецируют на природу представление художника о воскресении, о неизбежном и вечном круговороте в природе. В то же время, включая в пейзаж человека, Брейгель показывает природу как место обитания человека, то место, которое ему определил Бог.

И потому даже суровая зима (а в Нидерландах она действительно суровая — холодная, промозглая) воспринимается уютно.


Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу (зима).
1565. Вена. Музей истории искусств

В Нидерландах протестантские и католические художники писали пейзажи по-разному. Кстати, это хорошо иллюстрирует мысль о том, что именно религия, ее духовные установки формируют искусство. В протестантской Голландии возникает пейзаж не как изображение природы вообще, а национальной природы: дюны, каналы, ветряные мельницы. Это то, что хорошо знают и любят голландцы, за что они сражались с испанцами, что создали практически своими руками. В этих картинах много неба, равнин, полей.

У католических художников пейзаж часто более драматичен, с элементами романтизма. Самый яркий представитель искусства Фландрии, где царил католицизм, — Питер Пауль Рубенс (1577–1640) — художник огромного, универсального таланта. Его природа вечна, незыблема, прекрасна и плодородна, хочется сказать — добродетельна, она так же полна жизни, как и дородные рубенсовские красавицы.


Питер Пауль Рубенс. Пейзаж с телегой на закате.
1635. Турин. Галерея Сабауда

Однако совсем другой пейзаж у моего любимого Рембрандта. Библейские персонажи Рембрандта живут не просто в природе, а в природе Голландии, которая полна драматической напряженности. Что ищет Рембрандт в этой заболоченной местности, в этой невзрачной земле, где живут птицы, рыбы и голландцы, где увязают армии и люди веками борются с разрушительной силой стихии, размывающей сушу?

Все пейзажисты обычно руководствуются одним стремлением — точностью. Рембрандта это не увлекает. В его пейзажах нет ничего, что можно было бы тут же узнать, найти приметы местности. У него свои размышления о природе.

Он считает, что природа наделена своим языком, как человеческое тело или лицо. Он иногда смотрит на пейзаж сверху, и это дает ему ощущение бескрайности мира. Он видит в природе неизменность ценностей.

Именно поэтому в голландскую природу можно поместить библейских героев или наделить пейзаж философским смыслом, что мы, например, видим в офорте «Три дерева» (1643).


Рембрандт. Три дерева. 1643.
Рейксмюзеум. Амстердам

О том, как позднее развивался жанр пейзажа в истории живописи читайте в книге Лилии Ратнер«Искусство: язык Бога. От античности до авангарда».

Источник: https://nikeabooks.ru/blog/kak-chitat-peyzazh-v-ikone-i-v-zhivopisi/

Византийские иконы — описания святых образов

религиозная живопись как разговаривает икона

За время существования Византийского государства, период которого составил IV-XV век, культурное мировоззрение общества успело значительно преобразиться, благодаря появлению новых творческих взглядов и направлений в искусстве.

Их уникальное многообразие художественных произведений, которые по-разному отражали сложившуюся в мире действительность, способствовали непременному развитию высших духовных ценностей, побуждая новые поколения общества к наибольшему просвещению. Среди самых распространенных видов культурного достояния Римской империи, особое внимание следует уделить иконописи.

История византийских икон

Широкое распространение иконопочитания в Византии засвидетельствовано уже многими литературными памятниками 7-го века.

«Начертываю и пишу Христа и страдания Христовы в церквах и домах, и на площадях, и на иконах, – писал один из авторов той эпохи Леонтий Иерапольский, – чтобы, ясно видя их, вспоминать, а не забывать. И как ты, поклоняясь книге Закона, поклоняешься не естеству кож и чернил, но находящимся в них словесам Божиим, так и я поклоняюсь образу Христа. Не естеству дерева и красок но, поклоняясь неодушевленному образу Христа, через него я думаю обнимать Самого Христа и поклоняться Ему»

Византийская иконография — это старинный религиозный жанр средневековой живописи, где авторам предстояло наглядно проиллюстрировать образы мифических персонажей, взятые из библии. Изображения священных лиц, которые римским художникам удавалось полностью отобразить на твердой поверхности, стало называться иконой.

В процессе её использования, иконописцам приходилось разбавлять свои краски, смешивая их с воском, который являлся главным действующим веществом. Его уникальная формула, покрывающая внешнюю сторону священного полотна, позволяла иконе долгое время сохранять свой первозданный вид в первоначальной исходной форме.

Помимо этого, главные черты лица, отражающие подлинный взгляд религиозных личностей представлялись художественными творцами весьма поверхностно, с отсутствием точной детализации. Именно поэтому в первых работах, Доиконоборческого периода, охватывающий период 6 – 7 века, можно сразу же обратить внимание на грубые и в некоторых местах размытые черты лица. К числу их главных произведений следует отнести синайскую икону Апостола Петра.

Далее, с наступлением Иконоборческого периода, традиционное создание религиозных икон оказалось крайне затруднено. В первую очередь, это было связано с новыми общественно-политическими движениями, которые активно предпринимались в Византии на протяжении нескольких сотен лет. Ярые противники религиозной культуры стремились полностью запретить многовековое почитание икон, при помощи их полного уничтожения.

Доиконоборческий период

Иконы этого периода характеризуются следующими особенностями: изображения были грубыми и схематичными, так как иконописцы не прорисовывали мелких деталей; из-за схематичности изображения иконы были похожи друг на друга.

Иконописцы этого времени использовали особую технику живописи (так называемую энкаустику), которая позволяла надолго сохранять иконы в их первозданном виде. Благодаря этому и в наше время сохранились иконы, написанные в 6 – 7 веках. Наиболее известные иконы доиконоборческого периода – «Христос Пантократор» и «Апостол Андрей».

Иконоборческий период

Этот период стал самым сложным в развитии еще не сформированной окончательно византийской иконописи. В тридцатых года восьмого века в Византии начинается активная и жестокая борьба с религиозными противниками. В результате этой борьбы многие иконописцы были объявлены еретиками, а их произведения подверглись уничтожению.

Вместо икон художникам предписывалось изображать животных, растения, сюжеты из повседневной жизни и прочее. Но это не смогло остановить развитие иконописи. Многие мастера уехали в отдаленные уголки империи и продолжили свою работу. Центром иконописи стала Италия, куда переехали многие византийскими иконописцами.

Даже светские историки признают, что культура Византии времен иконоборчества отмечена печатью упадка. «Торжество Православия» привело к культурному подъему, продолжавшемуся несколько веков. Но в результате 4-го крестового похода западные крестоносцы разграбили Византию и в 1204 году захватили Константинополь.

«Золотой век» византийской иконы завершился. Позднее православная Византия вновь обрела независимость и добилась новых культурных достижений, но иконописные шедевры последующего времени были созданы за пределами Византии. В 1453 году Византийская империя погибла от турецкого нашествия

Послеиконоборческий период

Послеиконоборческий период стал временем расцвета византийской иконописи. Именно в этот период икона, написанная красками на доске, получает широкое распространение, становится неотъемлемой частью храмового интерьера.

Доски для иконы изготовляются главным образом из кедра и кипариса. Иконы бывают разных размеров и разной формы. Как правило, в иконе вырезается ковчег — поле глубиной до ю мм, повторяющее форму доски. Основное изображение помещается внутрь ковчега, а поля иконы либо остаются свободными, либо на них помещаются дополнительные изображения.

Важную роль в византийской иконописи послеиконоборческого периода играет золото. Многие иконы написаны на золотом фоне. Материалом для этого фона являются тонкие листы сусального золота, накладываемые на клей поверх левкаса и затем тщательно разглаживаемые. Золото используется также для отделки различных элементов одежды.

В этом случае рисунок наносится на икону при помощи чесночного сока, обладающего свойствами клея; затем на поверхность кладется лист сусального золота, который прилипает к поверхности иконы в тех местах, где чесночным соком был сделан рисунок; далее ненужные части золотого листа счищаются с поверхности.

Комниновский период

Этот период характеризуется сменой стиля. Иконописцы вновь вернулись к античному стилю, оставив аскетический. Изображения на иконах получают форму. Лики святых становятся более живыми, имеют индивидуальные черты.

Хорошо прорисованы одежды святых. Ярчайшими примерами являются: «Владимирская икона Богоматери», написанная в Константинополе; мозаическая икона «Христос Пантократор Милующий»; икона «Григорий чудотворец».

Появление житийских образов

В самом начала 13 века центр Византии – Константинополь был разграблен и разрушен рыцарями-крестоносцами. На некоторое время иконописные мастерские прекратили свою работу. Тем не менее, трагические события не смогли прекратить развитие иконописи, напротив, сформировался новый тип византийской иконы – житийные иконы, то есть, изображающие сцены из жития святых.

До этого времени картины жития святых изображали исключительно на страницах церковных книг. В первом же десятилетии сцены житий стали изображать на иконах святого. В центре иконы размещали лик самого святого, а вокруг, по периметру, картины из его жития. Яркими примерами житийный икон служат икона Святителя Николая и икона Святой Екатерины.

Палеологовский период

В середине 13 века Константинополь был возвращен греками, что не могло не наложить свой отпечаток на иконописные традиции. В этот период чувствуется влияние античной культуры и искусства. Иконы этого периода довольно сильно отличаются от ранних икон.

Очень хорошо прописаны лица святых, складывается такое чувство, что иконописец писал портрет святого. Настоящими шедеврами палеологовского периода являются: икона «Святой Феодор Стратилат», икона «Двенадцать апостолов», икона «Христос Пантократор».

Символика и образы византийской иконы

Новый художественный замысел способствовал окончательному изменению прежней символики, которая знаменовалась переходом от старого натуралистического восприятия чувственного мира к более религиозному и священному его отражению. Теперь образы византийских икон придерживаются иных рукописных канонов.

Икона является своего рода окном в духовный мир. Отсюда ее особый язык, где каждый знак – символ, обозначающий нечто большее, чем он сам.
Лицо на иконе это лик, повернутый к Богу, личность, преображенная в свете вечности.

Большое значение в иконе придается также рукам, многое говорящим о личности человека. Каждый жест рук осмысливается по-своему, несет определенную духовную информацию, каждой новой ситуации соответствует свой жест. Лик и руки иконописец, как правило, выписывал очень тщательно.

Фигуры же обычно изображались как бы «облегченно», так, чтобы тело выглядело невесомым и бесплотным. Тела в иконах словно парят в пространстве, зависая над землей. Иконописное изображение стремится передать соединение внешней хрупкости и внутренней мощи. Тела на иконах имеют удлиненные пропорции, что является выражением одухотворенности человека, его преображенного состояния. Икона являет нам образ нового человека, преображенного, целомудренного.

Как всякое живописное произведение, икона имеет дело с цветом. Фон классической византийской иконы – золотой. Это одновременно цвет и свет. Золото обозначает сияние Божественной славы, это свет нетварный, символ Небесного Иерусалима. Золотой цвет служит выражением самого ценного в духовном мире. Наиболее близким по смыслу к золотому стоит белый цвет.

Он также является цветам и светом одновременно, но применяется гораздо реже золотого. Белый цвет символизирует чистоту, непорочность и причастность божественному миру.

В зависимости от степени святости героев, которые представлены в библейской мифологии, наименование их ликов стало подразделяться на такие категории как:

  • Апостолы;
  • Бессребреники;
  • Благоверные;
  • Великомученики;
  • Мученики, и.т.д.

Всего их насчитывается 18 видов. Наглядным примером, демонстрирующий применение новых художественных канонов, является икона Иисуса Христа в византийском стиле, которая называется Христос Пантократор.

Основные черты лица, которые художнику удалось придать данной святыне, оказались настолько естественными и правильно переданными, что и в остальных последующих работах, Божий взгляд стал представлялся точно в таком же, виде, который предшествовал ранее созданному оригиналу.

Влияние на древнерусскую иконографию

Иконы Византии, во всем своем эстетическом великолепии сумели внести неоценимый вклад в развитие древнерусской иконографии. Поскольку главными основоположниками культурно-религиозного просвещения, в первую очередь следует выделить именно римских художников-иконописцев.

Свои накопленные знания по созданию церковного великолепия они успели передать не только своему будущему поколению, но и другим существовавшим на тот промежуток времени государствам, одним из которых являлась Древняя Русь.

Значение икон

В трудные времена массового голода, эпидемии чумы и народных восстаний, когда жизни и здоровью людей угрожала серьезная опасность, значение Византийских святынь оказывалось крайне велико в оказании помощи и спасении.

Их чудотворные свойства позволяли исцелить маленьких детей и взрослых от многих сердечно-сосудистых и головных болезней. Кроме того, люди старались обращаться к ним заблаговременно, с целью формирования жизненного благополучия родным и близким.

Источник: https://iconopisanie.ru/ikony/vizantijskie

История иконописи: Истоки анонимного искусства в православной церкви

Икона – то, что должно быть в доме каждого православного христианина. Обращаясь с молитвой к святому, люди укрепляют веру, восстанавливают душевное равновесие, ограждают себя от искусов и соблазнов. Сейчас образ в жилище или храме кажется нам привычным атрибутом, без которого невозможно обойтись. Но так было не всегда. Откуда взялся обычай писать иконы и как он развивался – читайте в статье.

Иконопись – истоки традиции

История образа как культового предмета чрезвычайно древняя и уходит своими корнями ещё в эпоху зарождения христианства. Первые иконы ручной работы были чрезвычайно похожи на портреты, которые писались во времена римской империи.

Они являли собой небольшие дощечки, на которых рисовали лица умерших людей. Эти картины отличались живостью, яркостью, чувственностью. Их клали на саркофаги и гробницы, чтобы живые могли почувствовать связь поколений, сопереживание к тем, кто уже отошёл.

Постепенно иконопись развивалась, возникли канонические требования к образам. Это произошло уже в эпоху существования Византии – одной из величайших мировых держав, чей расцвет пришёлся на V-Х века. В иконах, написанных византийскими мастерами, можно проследить синтез, смешение культуры Востока и Запада. Это неудивительно, ведь это государство вобрало в себя все ценности, обычаи и ритуалы Древней Греции и Египта, Палестины и Закавказья, Сирии и Ирана.

Христианство на Руси, даже в ту пору, когда оно только зарождалось, уже имело некоторые специфические особенности, отличающие веру древних славян.

Как известно, в каждой религии должен быть некий материальный объект, символ, который служил бы для верующих как напоминание, прообраз духовной сути. Для язычников такими объектами были изваяния божеств в их пантеонах, для христиан им стала икона.

Поэтому, хотя иконы на Руси и похожи на византийские образцы, всё же мастера старались внести в них и национальный колорит.

Благодаря ассимиляции творческого наследия Византии мастера Киевской Руси отличались чрезвычайно развитым умением иконописи, необычным для Средних веков. Образа, написанные украинскими мастерами, сразу видны по их теплоте, искренности, обращённости к жизни и личности святого. Иными словами, даже в рамках церковного канона иконописцы создавали не отстранённые символические картины, а образа, проникнутые любовью и сопереживанием к человеку.

Искусство иконописи

Создание образов божественных ликов – это анонимное искусство (подписывать свои имена на иконах запрещено), а многие нюансы изображения жёстко обусловлены каноном. Поэтому к мастерам, занимающихся созданием образов, выдвигались особые требования. Они должны были соблюдать все требования к цвету, форме, размеру изображения. Полёт фантазии был недопустим.

Ярче всего это видно в образах XV столетия. Некоторые историки считают эту эпоху временем наивысшего развития мастерства иконописи, ведь именно тогда можно было увидеть самые немногосложные, ясные и простые композиции. В этих иконах нет ничего чрезмерного или лишнего, но они поражают и восхищают зрителя своим эмоциональным зарядом, смысловой наполненностью изображения.

Сюжеты этих религиозных картин, как правило, были весьма просты. На них изображались фигуры святых (часто в окружении клейм – небольших миниатюр, в которых показаны сцены из жизни праведника) и эпизоды из Евангелия. Сложные иконы, со многими аллегориями и символами, так популярные в то время в Европе в силу своего дидактического содержания, на Руси не прижились.

Святые на этих иконах показаны словно бы бесплотными – их широкие, свободные одежды полностью скрывают тело, поза статична, черты лица лишены всякой индивидуальности. Портретные изображения в церкви были строго запрещены. Попытки очеловечить святых, приблизить показанные на иконе события к реальному времени, встречающиеся в западной традиции, в русской иконописи были полностью исключены.

Другие элементы сюжета также предельно стилизованы, сведены к архетипам. Например, если сюжет иконы требовал изобразить пейзаж, мастер писал его настолько схематично, что он почти утрачивал сходство с реальностью, за исключением символического. Другие вставки – кулисы, драпировки, архитектурные элементы – также условны и лаконичны.

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Где находится икона неупиваемая чаша

Это помогало добиться ощущения, что все показанные на иконе события – умозрительны, что образ – лишь аллегория Небесного Царства.

Материалы для изготовления иконы также были строго регламентированы. Как правило, они писались на липовых или дубовых досках, покрытых меловым грунтом. Для иконописи использовалась темпера – минеральные либо растительные красящие порошки на основе яичной эмульсии.

После завершения работы мастер покрывал поверхность образа тонкой плёнкой олифы – масляной жидкости, призванной усилить яркость цветов и предупредить возможные повреждения. Практически повсеместно для изображения фона на иконах, а также передачи нимбов святых использовались тонкие листы сусального золота или же золотой порошок, символизирующие сияние духа, блаженство и гармонию запредельного мира.

Чтобы отдать должное святости образа, иконы украшали накладки из драгоценных металлов, самоцветы, изделия из янтаря, узоры и орнаменты.

При этом и материалы, и сам процесс написания образа были проникнуты мистическим смыслом. Мастер погружался в особое душевное состояние, постоянно поддерживая своё сосредоточение молитвой и постом. Его краски, кисти, другие орудия – даже вода для разведения пигментов – освящались специальными молитвами. Именно поэтому у древних иконописцев получалось создавать столь возвышенные, проникнутые святостью и аскезой лики.

Краски икон – символика цветов и оттенков

Канонические требования касались не только того, как именно, в какой позе и одеждах, изображался тот или иной святой. Иконописец также должен был следить за цветовой гаммой образа. Именно поэтому, чтобы понять икону, недостаточно обратить внимание на её внешний смысл, буквальное толкование произведения. Нужно знать, что ясные и чистые краски, которыми сияют образа, не соотносятся с реальным миром, представляя нам образ горнего, священного Царства.

Хотя значения цветов постепенно менялись, всё же существовали некоторые правила, помогающие упорядочить изображения. Вот некоторые из них:

  • Чрезвычайно важно было передать тона небесного свода, ведь именно небо на иконе символизирует близость к Богу, духовное просветление святого или святой. Поэтому в распоряжении иконописца было множество подходящих для этого красок – и лазурных, и голубых, и синих. Различали, в частности, «цвет звёздной ночи», «сияние тверди», «бледный закат», «бирюзовый яркий» и множество других тонов. Иногда для воссоздания цвета использовали даже зеленоватые оттенки. Кроме того, синий считался цветом Богоматери, и чаще всего её изображали в ризах именно этого оттенка.
  • В пурпурные и алые тона чаще всего окрашивали грозные, устрашающие сцены – пожар, грозу, сошествие в ад. Иногда их использовали и для того, чтобы показать неотвратимость Божьего Суда, Его беспристрастность и справедливость. Пример этого можно увидеть на знаменитых новгородских иконах, где показан Страшный Суд – там пурпурные херувимы соединены в единую огненную преграду, вздымающуюся над фигурами апостолов.
Популярные товары
  • Белый – отражение Божественного сияния. В белых одеждах можно увидеть праведников, ангелов и младенцев.
  • Коричневый – напоминание о прахе, человеческой природе, которая «из земли вышла и в землю обратится». Используя его, иконописец намекал на то, что материальное начало приходящее, а духовное – вечно.
  • Чёрный тон служил для изображения зла, смерти, ада. Но иногда он становился и способом показать бесконечность, тайну, непостижимость Бога и Вселенной.
  • На иконах никогда не использовался серый цвет. Поскольку в нём смешаны белая и чёрная краски, то иконописец воспринимал этот оттенок как неясность, пустоту, небытие, которым нет места на образе.

Для мастера краски – это драгоценные материалы. Он использовал их аккуратно и бережно, наслаждаясь чистотой оттенков и сиянием цветов. Поэтому древние иконы до сих пор удивляют и восхищают нас тонкими и яркими тонами.

Особенности изготовления янтарных икон

Сегодня мастера уже не придерживаются столь строгих канонов, как прежде. Благодаря этому есть возможность купить икону, выполненную из самых разнообразных материалов. Но, тем не менее, роль образа в духовности православного христианина, его мировоззрении сложно переоценить.

Как правило, сейчас для написания икон используют масляные краски. Они более долговечные, чем темпера, не растрескиваются и не тускнеют со временем. Также лики святых, их нимбы и ризы украшают вставками из металла, драгоценных камней, фольги или ткани. Для передачи Божественного сияния, благодати Царства Небесного подбирают материалы светлого, яркого оттенка, позволяющие воочию узреть свет, силу и славу Бога. Именно поэтому иконы часто декорируют золотом и янтарём.

Янтарь часто используется для изготовления культовых, религиозных предметов именно из-за своих необыкновенных свойств. Эта окаменевшая смола хвойных деревьев – один из красивейших драгоценных камней, а благодаря тому, что солнечный самоцвет ещё и довольно пластичен, он применяется для множества целей. Из него высыпают картины, делают украшения, фигурки и статуэтки, чаши и кадила.

Благодаря богатейшей цветовой палитре янтаря он может воссоздать все оттенки и цветовые нюансы святых ликов, передать краски одежд ангелов и праведников, тона природы, узоры на фоне иконы. Образа украшают прозрачными кристаллами этого самоцвета, или же вырезают накладки из матового камня.

Но, в любом случае, каждая его крупинка сияет солнечным светом, нежным и ярким, благодаря чему иконы из янтаря выглядят особенно прекрасными и почти неземными.

Волынская икона Божьей Матери из янтаря(самоцветная крошка янтаря разных оттенков) Икона «Св. Николай Чудотворец» из пластин янтаря(технология флорентийской мозаики)

Существует несколько способов изготовления икон из этого драгоценного камня. Они могут быть высыпаны из самоцветной крошки, полученной при переработке янтаря разных оттенков, или выложены в виде мозаики.

Также мастер может выполнить образ в технологии флорентийской мозаики, когда отдельные элементы изображения вырезаются из цельных кристаллов, а затем тщательно подгоняются друг к другу и полируются. Это позволяет создать цельную картину, переливающуюся тысячами оттенков и тонов.

Но, в любом случае, эта икона будет качественной и красивой, напоминая вам о традициях Древней Руси.

Янтарные образа, выполненные с благоговением и любовью, украшали дома наших предков. И теперь вы тоже можете обрести икону, которая будет сопровождать вашу семью, осенять её незримым светом своего небесного заступничества, дарить счастье, благополучие и достаток!

Источник: https://UkrBurshtyn.com/blog/ikony-proizvedeniya-iskusstva-v-pravoslavnoj-cerkvi.html

«Колорит»: Окно в духовный мир. Художественный язык иконы

Икона – это интереснейший феномен христианской культуры, который давно уже осмысляется вне этой конкретной культуры. Почти две тысячи лет богословы и художники занимаются обоснованием значимости иконы для всего христианского мира, изучением ее художественного языка и духовных, а также эстетических истоков.

История иконы

Искусство иконописи берет свое начало в Византии. Византийцы не только являлись творцами изумительных мозаик, фресок, росписей и икон, но и пытались описывать и осмыслять плоды своего творчества.

Именно здесь, в центре восточно-христианского мира, появились первые изображения святых, которые со временем стали иконописным каноном, отступать от которого было запрещено.

Это одна из особенностей иконописного искусства, которое отличается традиционностью: художники каждый раз воспроизводят утвержденный для всех образец.

Такое понимание, безусловно, противоречит современному пониманию искусства, которое считается пространством авторской свободы и фантазии. Ничего такого иконописец не знает, он далек от самовыражения.

Более того, он даже намеренно скрывает свое имя, подчеркивая соборность (всеобщность, коллективность) иконы, а единственное имя, которое он может поставить на своей работе по ее завершению, так это имя изображенного.

Это связано, прежде всего, с тем, что человек со средневековым сознанием усматривал в творческом акте непосредственное участие божественной воли, а потому создание иконы открывало путь к общению с богом, непостижимого для ума. Икона воспринималась в качестве моста, соединяющего человека и бога, как вместилище божественного.

Традиционный характер иконописи касается и целых направлений. Так, три вида древнерусской иконописи в сущности представляют собой незначительные варианты византийского канона. Византийский стиль можно узнать по некоторой сухости и тонкости фигур, по узким пропорциям, натянутым драпировкам. Византийские мастера любили работать с деталями и узорами, стремились поразить зрителя богатством, насыщенностью красок.

Русская иконопись – это результат культурного влияния Византии. Иконописный канон древнерусским мастерам принесли византийские живописцы, которые и расписывали первые русские храмы.

Первым русским иконописцем, имя которого нам известно, был печорский инок Алипий, иконы которого по преданиям не горели в огне, а в написании одной из них участвовал ангел.

Но самым известным русским иконописцем является андроньевский инок Андрей Рублев, трудившийся в XV в. Именно его иконы стали русским каноном.

Художественный язык иконы

Взглянув на икону как на художественное произведение, мы увидим большую разницу между ней и любым другим современным живописным полотном. Даже не зная о глубоких основах этого искусства, определяющих неповторимый иконописный стиль, можно почувствовать, что икона не просто что-то показывает, а еще и о чем-то говорит.

Надо сказать, что христианские теоретики искусства никогда не видели в иконе сугубо художественную ценность.

В этом ее коренное отличие от живописи: картины фиксируют эмоциональное состояние художника, направлены на эмоциональное переживание и ограничены сюжетом, а икона запечатлевает духовный облик, направлена на ум и открывает доступ к безграничному.

В связи с этим Е.Н. Трубецкой пишет: «Икона – не портрет, а прообраз грядущего храмового человечества. И, так как этого человечества мы пока не видим в нынешних грешных людях, а только угадываем, икона может служить лишь символистическим его изображением.

Что означает в этом изображении истонченная телесность? Это – резко выраженное отрицание того самого биологизма, которое возводит насыщение плоти в высшую и безусловную заповедь Изможденные лики святых на иконах противополагают этому царству самодовлеющей и сытой плоти не только «истонченные чувства», но прежде всего – новую норму жизненных отношений. Это – то царство, которого плоть и кровь не наследуют».

Икона воспринимается христианским сознанием как текст, который учит вере и укрепляет ее, помогает постичь конечную истину. В этом и заключается основная особенность иконического изображения – его нужно уметь читать, поскольку это особый текст, написанный символическим языком. Как писал П.

Флоренский, «икона всегда или больше себя самоё, когда она – небесное видение, или меньше, если она некоторому сознанию не открывает мира сверхчувственного и не может быть называема иначе как расписанной доской.

Глубоко ложно то современное направление, по которому в иконописи надлежит видеть древнее художество, живопись, и ложно прежде всего потому, что тут за живописью вообще – отрицается собственная ее сила: даже и вообще живопись или больше или меньше самоё себя.

Всякая живопись имеет целью вывести зрителя за предел чувственно воспринимаемых красок и холста в некоторую реальность, и тогда живописное произведение разделяет со всеми символами вообще основную их онтологическую характеристику – быть тем, что они символизируют». 

Следует отметить, что для христианства Слово является фундаментом, на котором выстраивается и специфика иконы. Восприятие иконы чуждо какому-то ни было эстетическому наслаждению, несмотря на то, что эстетическая составляющая присутствует в христианской культуре достаточно явно.

Но все же первейшая функция иконы – приобщить к Слову, призвать совершить молитву, в процессе чего через видимое начинает проглядывать невидимое, надчеловеческое.

Таким образом, смысл иконы не в самой иконе, а в ее «содержании», и здесь она приближается к сути античного искусства – катарсису, очищению души.     

Будучи сакральным текстом, икона написана особым художественным языком, знаки которого требуется знать. Прочтение иконы как текста происходит на 4 уровнях:

1

Буквальный – определение того, что изображено на иконе.

2

Аллегорический – дешифровка образов и символов.

3

 Моральный – осознание того, зачем это изображается.

4

Анагогический – постижение первообраза, проникновение в сферу невидимого.

Источник: https://concepture.club/post/rubrika_2021/ikona

Религиозная живопись

Ф.А. Бруни МЕДНЫЙ ЗМИЙ 1841 г. Санкт-Петербург, Государственный Русский музей Сюжет Ветхого Завета стал основой гигантской картины. На огромном холсте (48 м2!) представлен эпизод сорокалетнего странствия иудейского народа, освобождённого Моисеем из египетского рабства, в поисках Земли обетованной. Разгневанный Господь послал провинившимся людям наказание — дождь из ядовитых змей, и только тот, кто раскается, останется в живых.

Первые известные изображения, связанные с христианской религией, относятся к II—IV вв., ко времени, когда христианство преследовалось языческой Римской империей. В росписях пещер-катакомб соединялись античные мотивы с христианскими тайными символами. Так, певец Орфей отождествлялся с библейским царем Давидом-псалмопевцем, Персей, победивший чудовище, — со святым Георгием Змееборцем.

В Евангелии Бог сравнивается с виноградарем, а Христос — с пастырем, и приверженцы новой веры прекрасно понимали смысл иносказательных сцен сбора винограда или пастуха со стадом, изображённых на стенах пещер. В 313 г. гонения прекратились, так как император Константин I Великий своим эдиктом признал за христианством равные права с другими религиями, а вскоре оно стало государственной религией Восточной Римской империи.

С этого времени начинается активное строительство и украшение храмов.

Титан возрождения

Леонардо да Винчи БЛАГОВЕЩЕНИЕ 1473—1475 гг. Флоренция, галерея Уффици

Отражение библейских событий становится основной темой искусства Средних веков, а затем эпохи Возрождения, пришедшей на смену строгому, суровому Средневековью.

Одним из шедевров эпохи Возрождения является величественно-спокойная композиция «Благовещание», созданная Леонардо да Винчи для монастыря Сан-Бартоломео в 1470 г.

Художник отступил от традиции и первым показал этот эпизод Нового Завета не в закрытом помещении, а на фоне пейзажа, что усиливает впечатление реальности происходящего действия.

И.Е. Репин РОЖДЕСТВО ХРИСТОВО 1890 г. Москва, Государственная Третьяковская галерея

Русская религиозная живопись

Священная библейская история, живущая в древнерусском искусстве в иконах и фресках, с середины XVIII в. становится одной из главных тем светской живописи. В картине художник свободен от церковного канона.

Перед ним не ставится строгая задача точной передачи текста. Иконопись больше обращалась к Новому Завету, к сюжетам из жизни Христа, Богородицы и христианских святых. Сюжеты Ветхого Завета (это древнейшая часть Библии) изображались реже.

Историческая картина использует тексты Ветхого Завета значительно чаще.

Источник: https://SiteKid.ru/kultura_i_iskusstvo/zhivopis/religioznaya_zhivopis.html

Религиозное искусство: определение, история, виды

Что такое религиозное искусство? Есть много способов определения значения этого термина.

Мы можем сказать, что это: ❶ Любое произведение искусства, которое имеет христианскую или библейскую тему (христианское искусство); или же ❷ Любое произведение искусства, которое иллюстрирует поклонение любому богу или божеству; или же ❸ Любое произведение искусства с темой ислама, буддизма, индуизма, сикха, чучхе, иудаизма, бахаи или джайнизма, или любое искусство, изображающее темы синтоизма, каодай или традиционных китайских религий.

Однако при дальнейшем анализе эти определения относятся к религиозному «содержанию», а не к религиозному «качеству».

Например, картина сцены распятия, которая привлекает внимание к какому-то принципиально странному или кощунственному физическому атрибуту умирающего Христа, вряд ли заслуживает описания как предмета религиозного искусства.

Кроме того, в некоторых религиях (восточные православные, ислам) существуют определенные правила (каноны), ограничивающие разрешенный тип искусства: скульптура Мухаммеда будет рассматриваться как богохульство, а не как предмет религиозного искусства.

Таким образом, для того, чтобы считаться «религиозной», у живописи, скульптуры или архитектуры должен быть какой-то узнаваемый моральный рассказ, который наделяет произведение необходимым священным «качеством». Как и в случае оценки всего искусства, определение наличия или отсутствия этого морального атрибута является по существу субъективным упражнением, хотя в большинстве случаев ответ, вероятно, будет довольно простым.

Поэтому предлагаемое нами определение религиозного искусства выглядит так:

Религиозное искусство – это любое произведение, тема которого поддерживает моральное послание религии, которую оно намеревается проиллюстрировать. В этом контексте религия означает любой набор человеческих верований, относящихся к тому, что они считают священным, святым, духовным или божественным, независимо от того, вовлечены ли в него божества или нет.

Распространенные виды религиозного искусства

Со времен античности, наиболее распространенным видом религиозного искусства была живопись и переносная скульптура. Тем не менее, формой религиозного искусства с наибольшим визуальным воздействием, несомненно, является архитектура.

От египетских пирамид до каменного круга Стоунхенджа, от собора Святой Софии в Стамбуле до Великой мечети Омейядов в Дамаске, от Купола Скалы в Иерусалиме до французских готических соборов, от базилики Святого Петра в Риме до Тадж-Махала, религиозные власти постоянно обращались к архитектуре, чтобы влиять на свои общины и заставить их трепетать.

Художественные оформления интерьера и экстерьера для этих христианских, исламских и буддийских церквей и храмов, как правило, включают в себя широкий спектр декоративных искусств, в том числе: каллиграфию, керамику, поделки, иконы, иллюстрированные рукописи, изделия из металла, мозаику, витражи, гобелены и резьбу по дереву.

Для получения дополнительной информации о функции и дизайне пирамидальных гробниц в Древнем Египте см.: Египетская архитектура (c.3000 года).

ЭТО ИНТЕРЕСНО:  Что такое библия кратко

Цель и стоимость религиозного искусства

Религиозное искусство прямо или косвенно состоит в том, чтобы убеждать новообращенных. Архитектура, следовательно, является основной формой, поскольку собор может вдохновлять, обучать и размещать верующих.

Публичные скульптуры также могут вдохновлять, в то время как внутренние мозаики и витражи могут иллюстрировать божественные истории – что было немаловажно в эпоху, когда неграмотность была нормой. Излагая послание упорядоченной Вселенной под Богом, христианское искусство также способствовало созданию и сохранению общественного порядка. Но всегда дорого обходилось.

В своих попытках возродить величие, красоту и престиж Рима с помощью лучших архитектурных решений, скульптур и фресок, папа Юлий II (1503-1513) и папа Лев X (1513-1521) едва не обанкротили церковь.

Фактически, перерасход Папских бюджетов на искусство был важной причиной Реформации, так как это привело к повышению налогов на простых людей и росту коррупции среди служителей Церкви. Тем не менее, в течение по крайней мере девяти веков между 800 и 1700 годами Римская церковь была безусловно крупнейшим меценатом.

Раннее доисторическое религиозное искусство

Никто не знает наверняка, когда человек впервые начал создавать конкретно религиозное искусство. Мы знаем, что различные типы религиозных образов начали появляться в эпоху неолитического искусства: примеры включают в себя терракотовую статуэтку «Богородица на троне» (6000 г. до н.э.), найденную в Катал Хуюк, в Анатолии, Турция и териантропическую фигуру из песчаника, известную как Бог рыб Лепенского Вира (датируется 5000 г. до н.э.), найденную в поселении на Дунае в Сербии.

Религиозное искусство древности (ок. 3500 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Египет был домом для значительного количества предметов и объектов религиозного искусства. Роль египетских художников состояла в том, чтобы превозносить своего фараона – светского короля, которому поклонялись как божественному правителю, предположительно, воплощению бога Гора.

Основным направлением египетского искусства была пирамида – гробница фараона и его семьи – которая обычно была наполнена изображениями, скульптурами и множеством других ценных артефактов, чтобы помочь ему выжить и процветать в загробной жизни. Храмы были также строились для живых фараонов, как и для богов Древней Греции и Рима, в период 600 г. до н.э. – 400 г. н.э.

религиозное греческое искусство лучше всего иллюстрируется Парфеноном (посвященным богине Афине) и другими храмами на Акрополе в Афинах. До 400 г. н.э. сохранившиеся сакральные произведения искусства являются почти исключительно архитектурными или скульптурными. Практически вся живопись того периода исчезла. То же самое было в Северной Европе, где с конца четвертого тысячелетия до н.э.

начали появляться церемониальные, возможно, религиозные структуры, такие как могила Ньюгрейндж в Ирландии и Стоунхендж в Англии.

Христианское искусство

Христианское искусство (в основном библейское искусство) появилось примерно через 150 лет после смерти Христа.

Первоначально раннехристианское искусство – включая раннехристианскую скульптуру – было на самом деле типом христианского римского искусства, сочетающего римские образы с классическими греческими мотивами: образ Христа в Величестве происходит как от римских имперских портретов, так и от изображений греческого бога Зевса.

В последующие века христианская иконография постепенно стандартизировалась и гармонизировалась с библейскими текстами. Рассказ о самой древней в мире освещенной (проиллюстрированной) христианской рукописи: Евангелие Гарима (390-660) из Эфиопского монастыря Абба Гарима.

Краткий путеводитель по еврейскому искусству в статье о Еврейском художественном музее Иерусалима, в котором хранится самая обширная в мире коллекция предметов ашкеназского, сефардского и восточного искусства и ремесел.

Византийское религиозное искусство (ок. 400-1000)

Византийское искусство в Константинополе создало ряд необычных примеров христианской архитектуры, в том числе церковь Хора, собор Святой Ирины, церковь Сергия и Вакха и удивительный своим величием собор Святой Софии (532-37). Кроме того, они построили Софийскую церковь в Софии, Болгария (527-65) и собор Святой Софии в Салониках. Мозаичное искусство было также распространено. Более подробно см.: Христианское искусство византийского периода.

Русская религиозная живопись: иконы, фрески (ок. 950-1700)

Техника иконописи распространилась по всей Восточной православной Европе, особенно в Киеве, Новгороде и Москве. Иконы стали главной чертой русской средневековой живописи. О величайших русских иконописцах, см.: Феофан Грек (ок.

1340-1410), основатель новгородской школы иконописи; его юный ученик Андрей Рублев (ок. 1360-1430), известный своим шедевром, икона Святой Троицы (1411-25); и Дионисий (ок. 1440-1502), известный своими религиозными иконами для Волоколамского монастыря. Московская школа живописи (ок.

1500-1700) представила братьев Строгановых, Прокопия Чирина, Никифора Савина и Симона Ушакова (1626-1686).

Религиозное искусство в Британии (c.600-1150)

Защищенная от романизации и варварского вторжения своей изолированной позицией, Ирландия стала важным центром раннехристианского искусства. Ирландские монастыри создали ряд выдающихся иллюстрированных рукописей (например, «Книгу Келлса»), чьи иллюстрации опирались на дизайн из кельтской культуры Ла Тене.

Кельтское искусство работы с металлом представлено на ряде ирландских церковных сосудов, таких как Чаша Арда, Часовня Мойлового Пояса, а также кресты-процессии, такие как крест Талли-Лох 8–9-го века и большой крест Конг 12-го века.

Третьим типом христианского искусства, созданного этим слиянием монашеской преданности и кельтского мастерства, была скульптура Кельтского Высокого Креста, которая производилась в большом количестве по всей Ирландии в период с 750 по 1150 год.

Романо-готическое религиозное искусство (800-1400)

Король франков Карл Великий начал возрождение христианского религиозного искусства со своего двора в Аахене. искусство Каролингов включало в себя произведения архитектуры, средневековые скульптуры, фрески, иллюстрированные евангельские рукописи и многое другое.

Преемники Карла Великого сохранили эти традиции в эпоху оттонского искусства – известного своими драгоценными металлами – при поддержке возрожденной Церкви, базирующейся в Риме. Романское искусство и архитектура следовали с 11-го века до примерно 1200 года, когда это было вытеснено готической архитектурой (как Районан и Фламбойан) с ее воздушными арками и великолепными витражами.

Готическая скульптура была более запоминающейся и выразительной. Готический период стал свидетелем одного из величайших расцветов монументального христианского искусства, примером которого является масштабная строительная программа во Франции – см., например, Собор Нотр-Дам (Париж) и Шартрский собор, и другие строения по всей Европе.

Готические соборы были построены в Лаоне, Париже (Нотр-Дам), Шартре, Суассоне, Бурже, Реймсе, Амьене, Бове, Осере и других городах. В Германии готический стиль иллюстрируется такими объектами, как Кельнский собор, в то время как в Англии соборы появились в Линкольне, Уэллсе, Солсбери, Кентербери, Дареме и Эли, наряду с Йоркским собором и Вестминстерским аббатством.

Вместе с архитекторами была нанята армия каменщиков и других ремесленников, которые изготовили массу декоративных святынь, включая статуи для колонн, мозаики и монументальные скульптуры. Позднеготическая эпоха была известна своей изысканной алтарной резьбой такими мастерами, как Вейт Стосс (c.1447-1533) и Тильман Рименшнайдер (c.1460-1531).

Религиозная живопись Северного Ренессанса (1400-1600)

Алтарное искусство было постоянной чертой нидерландского религиозного искусства в этот период, примером чему является Гентский алтарь (1425-32) Яна ван Эйка (1390-1441) и Хьюберта ван Эйка (ум.

1426), Алтарь Портинари (1475) Уго ван дер Гуса (1440-1482), Алтарь Изенхайма (1515) исполненный Матиасом Грюневальдом (1470-1528) и Снятие с креста (1435), созданное Рогиром Ван дер Вейденом (1400-1464) для церкви Нотр-Дам-дю Дехорс (сейчас находится в Музее Прадо, Мадрид). См.

Также необыкновенные и неотразимые фантастические картины Иеронима Босха «Сад земных наслаждений» и триптих «Воз сена. Ад» (1516), а также «Вавилонская башня» Питера Брейгеля Старшего.

Религиозное искусство итальянского Ренессанса (1400-1600)

Источник: https://gallerix.ru/pedia/religious-art/

Истоки

С древних времен наиболее распространенные типы религиозного искусства — живопись и скульптура, но наиболее ярким проявлением жанра являются архитектурные сооружения.

Внутренние и наружные художественные украшения для христианских, исламских и буддистских храмов включают широкий спектр примеров декоративно-прикладного искусства: каллиграфия, керамика, иконы, манускрипты, металлические изделия, мозаика, витражи, резные деревянные детали. Функция религиозного искусства – укрепление и прославление веры.

Искусство Античности и древних цивилизаций

Задание художников Египта, Рима и Греции — возвысить персону правителя. В Египте фараон воплощал бога на земле, поэтому его изображения были священными.

Работы периода античности дошли до нашего времени фрагментарно. Репрезентативна для характеристики религиозного искусства скульптура и архитектура этого времени, иллюстрируется Парфеноном и другими храмами Акрополя в Афинах.

В христианстве

Зарождение христианской живописи: развитие религиозного искусства в средние века и эпоху Возрождения
Христианское или библейское искусство появилось приблизительно через 150 лет после смерти Христа. Изначально, библейская живопись и скульптура были результатом соединения черт римского и греческого искусства. В течение ближайших столетий христианская иконография стандартизировалась, была приведена в соответствие с библейскими текстами.

В средние века религиозная живопись развивалась в форме иконописи.

Византийское христианское искусство могло бы быть представлено мозаикой, миниатюрами, иконами. В XVIII – IX веках, в результате иконоборческого движения, большинство шедевров живописи были уничтожены. Наиболее ранние работы, дошедшие до современности, датированы VI веком. Особенности: античная техника, натурализм – в одних работах, и склонность к условной передаче образов, схематичность – в других. Наиболее известные иконы доиконоборческого периода – «Апостол Петр», «Христос Пантократор».

Иконопись

После окончания эпохи иконоборства возобновились работы по созданию икон. Технические особенности: линейная стилизация, утонение, вытянутость фигур, спиритуализация образов, отказ от натурализма.

Наиболее известные иконы: «Сошествие в ад», «Успение» — примеры работ периода комниновского маньеризма.

По мере принятия христианства, иконопись распространялась в Древнерусском государстве, на Балканском полуострове. Наиболее известные иконописцы Руси – Алипий и Григорий. Постепенно оформились местные школы иконописи – Новгорода, Пскова, Киева, Чернигова.

Русская религиозная живопись ярко представлена работами Андрея Рублева: иконы из иконостаса Благовещенского собора Московского Кремля, фрески и икона Богоматери Владимирской «Умиление» Успенского собора во Владимире, икона «Троица» из иконостаса Троицкого собора Троицкого монастыря (Сергиев Посад).

Техника иконописи распространилась по всей восточной православной области, в частности в Киеве, Новгороде и Москве. Она стала одной из главных особенностей русской средневековой живописи. Кроме Андрея Рублева, величайшими русскими иконописцами были:

  • Феофан Грек, основатель новгородской школы иконописи;
  • Дионисий, последователь А.Рублева, создатель росписи собора Рождества Богородицы в Пафнутьевом Боровском монастыре;
  • Никифор Савин – представитель строгановской школы, автор работ «Чудо Георгия со змием», «Чудо о змие Феодора Тирона».

Важным центром раннего христианского искусства западной Европы была Ирландия. В результате развития готического стиля в архитектуре и доминирования церкви над светской жизнь, возвели множество соборов: в Париже (Нотр — Дам), Шартре, Суассоне, Бурже, Реймсе, Амьене и других городах. Соборы были богато украшены иконами. Религиозный сюжет был доминирующим в книжных миниатюрах.

Особенности нидерландского религиозного искусства периода иллюстрирует Гентский алтарь Яна и Хуберта ван Эйков, алтарь Портинари Гуго ван дер Гуса, работы Роджера Ван дер Вейдена, Иеронима Босха, Питера Брейгеля Старшего.

Итальянское искусство Возрождения финансировалось церковью и меценатами – семьями Медичи и Гонзага. Большинство работ итальянского Ренессанса отличаются доминированием религиозной тематики:

  • «Святая Троица» Мазаччо;
  • «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи;
  • «Сикстинская Мадонна» Рафаэля;
  • Фрески Сикстинской капеллы Микеланджело.

Венецианская живопись представлена рядом картин выдающихся художников — Тициана и Тинторетто.
В XV веке работали Антонелло да Мессина, Караваджо – картины отличались значительным влиянием маньеризма.

Религиозная живопись XVII – XVIII веков

После Реформации Ватикан начал активную кампанию католической Контрреформации. Живопись стала одним из инструментов влияния. Церковь хотела передать свое послание непосредственно верующим, требовала от художников бескомпромиссной ясность и реалистичности образов. Картины должны были реально передавать изображенные объекты.

Примеры его религиозного реализма: «Призвание апостола Матфея», «Мученичество святого Матфея», «Распятие Святого Петра», «Преобразование Святого Павла на пути в Дамаск», «Смерть Богородицы» и «Положение во гроб Христа». Активно развивалась фресковая живопись.

Известные художники и их работы:

  • Франсиско де Сурбаран (Испания): «Христос на кресте»;
  • Хуан Мартинес Монтаньес (Испания): «Милостивый Христос» в Севильском кафедральном соборе;
  • Питер Пауль Рубенс (Фландрия): «Успение Пресвятой Девы Марии»;
  • Никола Пуссен (Франция, Италия): «Пейзаж с апостолом Иоанном на острове Патмосе».

Стиль барокко изменил религиозную живопись – появились новые черты:

  • Эмоциональность;
  • Динамичность;
  • Яркость;
  • Детализация.

С середины XVIII века религиозный жанр теряет актуальность. Популярными становятся портрет, пейзаж, натюрморт, в основном, картины для частных клиентов.

Развитие жанра с XIX века до современности

В 19 веке библейская тематика в изобразительном искусстве утратила актуальность. Только несколько художников продолжали писать картины на религиозные темы в стиле реализма, романтизма, спрос на композиции резко упал – эта тенденция продолжалась до 20 века. Выделяются работы символиста из Бельгии Джеймса Энсора.

Исключительные религиозные картины 20 века: «Христос на кресте» Жоржа Руо, «Христос в Эммаусе» Патрик Колфилд, «Распятие» Антонио Саура; абстрактные работы Герхарда Рихтера.

Значение для культуры

Роль религиозной живописи на протяжении всего времени развития зависела от статуса церкви и религии. Наибольшее влияние религии наблюдается в средние века – именно тогда были созданы знаковые работы, шедевры живописи. На современном этапе авангардные художники предлагают свое виденье религиозного направления.

Источник: https://artrecept.com/zhivopis/zhanry/religioznyj

Как появились первые иконы: история, возникновение

Около нескольких тысяч, а некоторые ученые даже утверждают, что миллионов лет тому назад человек научился говорить, потом люди научились рисовать, а уж после – писать. Что касается иконописи, то тут, назвать точную дату появления первых икон так же трудно, как сказать о времени появления речи и письменности. Однако существует немало легенд, как появились первые иконы.

Немного из истории написания раннехристианских икон

С античных времен такая живописная культура как энкаустика дошла до христианства. Именно она считается прародительницей и основывалась на рисовании расплавленными красками.

Множество раннехристианских икон написаны с помощью техники восковой темперы, одной из разновидности энкаустики, отличавшейся сочностью и особой яркостью наносимой краски. Возникла данная живопись в Древней Греции и после постепенно дошла до христианства.

Одна из первых и наиболее выделяющихся икон в таком стиле – икона Христос Пантократор – самый древний и известный образ Христа.

Легенда возникновения первой иконы

Так, по словам ценителей иконопоиси, самая первая икона – лик Иисуса Христа. Это случилось еще во время Крестного пути, по дороге на Голгофу, когда женщины отерли Его лицо полотенцем и на белом рушнике остался отпечаток лика. На сей день данное средневековое предание носит название «Плат Вероники», взявший имя той женщины, что дала Ему платок. Была она одна или их было несколько, не исключено, однако в своем названии первая икона упоминает лишь имя Вероника.

Вторая версия «рождения» первой иконы, которая и является общецерковной, связана с восточным преданием. История создания иконы повествует о художнике царя Эдессы, который был послан с целью изобразить Иисуса, но попытка оказалась провальной. Тогда Иисус Христос умылся и вытер лицо платком, на котором собственно остался отпечаток лика. Борода Его запечатлелась в виде одной пряди, напоминавшей по форме клин, из-за чего, вероятно, эта икона начала именоваться как «Спас Мокрая Брада».

Таким образом, относительно двум церковным приданиям, первая икона появилась за годы земной жизни Спасителя, коей стала икона с названием Нерукотворный Спас.

Первый мастер иконописи

Первой рукотворной иконой по преданию считается икона Божьей Матери, а человеком, который ее написал, стал христианский святой, один из семидесяти учеников Иисуса Христа, евангелист Лука.  Помимо написания иконы Пресвятой Богородицы ему приписывают икону двух святых апостолов: Павла и Петра и еще около семидесяти икон, изображающих Деву Марию. Лишь три из которых были написаны с самой Божьей Матери и при жизни получили свое благословение.

К числу таких икон принадлежат: Смоленская, Корсунская или Эфесская и Филермская Богоматерь. За сказаниями, сначала евангелист Лука запечатлел на доске образ Мадонны с Младенцем на руках, а после написал еще две, похожие на первую, иконы и отнес Святой Богородице. Все три значительно отличаются от остальных икон Девы Марии, что может давать удивительное и уникальное представление того, как в земной жизни выглядела Матерь Божья.

Существует даже икона, воссоздающая тот самый процесс написания Лукой иконы Пресвятой Богородицы.

На самом деле, конкретный ответ на вопрос, когда появились первые иконы, не может дать никто. Это все настолько покрыто занавесом прошлого, что, чем дальше мы отходим от древних времен, тем меньше становится шанс узнать истину. Однако, не все остается неизведанным.

Так, первыми иконами в истории христианства считаются – «Плат Вероники» и «Спас Мокрая Брада», ставшие двумя версиями появления первой иконы нерукотворного образа Спасителя.

А первым иконописцев принято считать евангелиста Лука, сделавшего великий вклад не только, как автор одного из четырех Евангелий, но и как художник, изобразивший на своем холсте Пресвятую Деву Марию.

(3 3,67 из 5)

Источник: https://omolitvah.ru/ikony/kak-poyavilis-pervye-ikony/

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Благочестие
Молитва для очищения дома

Закрыть